Don Juan regresa desde Flandes junto a Sancho, su criado, tras pasar por Burgos y recibir la noticia de que su hermano ha sido asesinado y su hermana se encuentra desaparecida desde entonces. Ya en Madrid, una noche, mientras va a buscar a su prometida a la que no conoce más que por un retrato, se entera de que ella ha recibido por equivocación el retrato de Sancho y no el suyo. Ante los celos que le produce ver cómo se descuelga un hombre del balcón de su futura esposa decide intercambiar los papeles y que Sancho sea don Juan, para poder observar más libremente los movimientos cuando llegue a la casa de la que va a ser su mujer. Lo que ignora es que el pretendiente del que recela es, además el asesino de su hermano y el amante que ha abandonado a su hermano.
Después de un largo periodo de guerra, la declaración de la paz tiene sumidos en el aburrimiento a los miembros del Club de los Cañones, una organización guerrerista de fabricantes de armas. El Sr. Barbicane, presidente del Club, decidido a buscar nuevos caminos para su organización propone una aventura que marcará un antes y un después en la historia: fabricar un cañón que dispare un proyectil a la Luna. Así se da inicio a esta nueva aventura: Planeando, diseñando y construyendo el novedoso invento. Pero enfrentado también toda clase de adversidades en el camino para lograr su empresa.
T E & M Ballet Creativo reúne en la gala Reflejos de Mujer las obras La imagen perfecta y Lo que canta la laguna. Esta propuesta, conectada por las reflexiones sobre la restitución de derechos de la mujer, es narrada en dos lenguajes artísticos: el ballet y el teatro musical.
Así, La imagen perfecta muestra un breve recorrido histórico que revisa y restaura el papel de la mujer en la sociedad. Así, la obra inicia con una representación del movimiento sufragista y desde allí propone un puente entre las mujeres del pasado y del presente para que, de la mano, crucen por las diferentes batallas que vivieron las mujeres para quebrar, a través de la danza clásica y el movimiento, los estereotipos impuestos por la sociedad, para construir una identidad propia, para dar un grito de resiliencia que clama libertad y equidad para nuestro género.
Finalmente, Lo que canta la laguna es el primer capítulo de una trilogía que quiere rescatar de nuestras raíces indígenas los conceptos de la mujer de vida y del agua. Este episodio expone la historia de cómo una mujer líder del pueblo Muisca se transforma y se purifica a través del dolor para dar nacimiento a la diosa de la Laguna de Guatavita. Esta experiencia es narrada desde la perspectiva del cronista colonizador, inquisidor, poeta y militar.
Inspirada en la Flauta mágica, esta divertida historia nos narra las aventuras de Papagueno, Grandel y el príncipe Tamino, quienes con la ayuda de la flauta mágica emprenden un viaje para rescatar a la princesa Pamina, no sin antes desatar grandes alborotos y desentendidos e increíbles sucesos. Esta historia está llena de personajes fantásticos, dragones, música, baile y mucha diversión.
El príncipe Tamino se ha extraviado en un bosque cercano al Templo de la Reina de la noche. Ella tiene una hija llamada Pamina, quien se encuentra bajo el poder del Rey Sarastro. Al mismo tiempo, en el bosque, Papagueno y Grandel buscan un mejor destino. Mientras que el príncipe cabalga tratando de encontrar una salida, es atacado por unos terribles dragones de dos cabezas y finalmente cae desmayado. Unas doncellas de la Reina lo salvan con su magia y cuando vuelve en sí, ve por allí a Papagueno y Grandel y cree que ellos lo han salvado, por lo que decide invitarlos a su reino para agradecerles.
Juntos emprenden el viaje, pero por el camino son sorprendidos por la Reina de la noche y sus doncellas. Ella le cuenta al príncipe que realmente fueron sus doncellas las que lo salvaron y le encomienda una importante misión: rescatar a su hija Pamina. Para ayudarlo en su misión le entrega la flauta mágica, que solo podrá usarse como última opción.
Con ayuda de Papagueno y Grandel, el príncipe logra llegar al palacio de Sarastro, quien los obliga a decir quién los envío. Después de varias discusiones, Sarastro confiesa que él es el verdadero padre de Pamina y que la Reina de la noche no es quien aparenta ser. Esta confesión cambia la perspectiva y la misión de nuestros personajes, por lo que ahora tendrán que enfrentarse a un enemigo aún más poderoso: la Reina de la noche.
"El cubo de Rubick ¿Será que mundos tan distintos pueden coincidir? Quizás en el perdón, quizás en un beso, quizás es una canción.
Una aventura juvenil que expone un descubrimiento sobre la experiencia de las relaciones humanas donde cada uno de nosotros es un universo único. A través de microrelatos, sensaciones, pensamientos y juguetonas escenas, se desarrolla un mensaje que condensa el núcleo principal del diálogo: la aceptación del otro, la resolución de conflictos, el reconocer lo que hice y lo que me hicieron. “Un mundo donde escuchar tu cuento y yo echarte el mío sea posible.”
Cubo de Rubick es la emocionante aventura de un grupo de cinco jóvenes que forman una entrañable amistad. En su viaje vivirán situaciones difíciles que los enfrentarán con el manejo de las redes sociales, la salud mental, la soledad y el amor. Al tiempo que los personajes desarrollan sus fortalezas personales, los y las espectadoras tendrán la oportunidad de reflexionar y ejercer las suyas. Esta obra invita a los jóvenes a dialogar sobre el momento particular que están viviendo, en el que la sobre-estimulación conlleva a problemas para aceptarse y relacionarse. "
Había una vez un niño huérfano de padre llamado Juanito que vivía con su madre en una cabaña del bosque. Como eran muy pobres, la mujer mandó a su hijo a la ciudad a vender lo único que tenían: una vaca.
Juanito cogió la vaca y se puso en marcha. Por el camino se encontró con un hombre que llevaba un saquito de frijoles ……………
Los invitamos a descubrir el resto de nuestra historia.
Susurro de Ternura es una compilación de cuentos de varias partes del mundo pensado para público infantil y familiar con una duración de 40 minutos pensado para espacio cerrado.
Esta obra está basada en un cuento de uno de los autores más prestigiosos de la literatura infantil latinoamericana: Francisco Hinojosa. Esta historia narra con singular estilo, los sinsabores y peripecias de los habitantes de Turambul, un pueblo imaginario, quienes deben sortear con suma inteligencia y picardía, la violencia y el maltrato, a la que se ven duramente sometidos, gracias al capricho y la soberbia dominante de una sola persona, que ejerce su brutal poder de forma grotesca y desfachatada: Margot, conocida por todos como la peor señora del mundo. A raíz de esto, el trabajo en equipo y la creatividad surgen como la solución a los problemas comunes.
Este circo internacional viaja y capta a diversos artistas, incorporándose al corpus del mismo mostrando las diversas relaciones entre personajes, el mago enamorado de María su bailarina y las rivalidades entre el payaso Pepe y el presentador Pascual, el amor y celos de este con la bailarina rusa Sabrina.
Una familia de títeres descubren sus historias a partir de las experiencias compartidas por titiriteros y espectadores para darse cuenta que todos somos una sola familia con un solo deseo: amar y ser amados.
Es un espectáculo de narración oral construido en pilares de historias que todas pecan por íntimas y a la vez por compartidas. De humores, dragones, amantes y misterios este espectáculo. Recorre palabras y silencio, eriza las pieles, un trabajo de irse haciendo, como el deseo, como la ciencia, como cualquier camino. Los autores me dan motivos de conversación, me cuentan historias por recorrer, son compañeros del camino Gustavo Roldan y María Teresa Andruetto, de Argentina; Oscar Godoy, Héctor Abad Facciolince y Santiago Mutis de Colombia; con sus personajes converso, a ellos invito, de ellos hablo, a veces los cuento a veces los refiero, ellos son los dibujantes de este juego de cataclismos.
Esta obra no es otra historia de títeres: es la historia de los títeres en el mundo, narrada por Pedro Maestre, un viejo y amable catedrático que además de la palabra se sirve de más de 100 diapositivas, teatrillos y figuras de diferentes países, para contar a través de asombrosas y divertidas anécdotas, cómo aparecieron los títeres en las distintas regiones del planeta. Así, Pedro Maestre, como el Maese Pedro de «El Quijote», hace un homenaje a todos los artistas titiriteros quienes crean ilusiones dando vida a objetos y muñecos.
Jaimito y su abuelo chepe son una familia que viven felices en una pequeña finca en el campo. los acompañan varios animales como el gallo Gracielo y un hermoso árbol. pero está felicidad es interrumpida por Adriano que con su avaricia querrá acabar la paz de aquel hermoso hogar sin pensar en las consecuencias de sus actos. una historia sobre el perdón, la paz y la reconciliación.
Cuenta la impresionante historia de un campesino santandereano con quien la vida se ensaña haciéndole pasar una existencia lúgubre, amargada y sin cariño.
Desde su más tierna infancia ha sucumbido ante la desgracia… hijo de unos padres crueles y en medio de la más absoluta pobreza crece sin esperanza, su alegría llega con María, a quien hace su esposa, aún así el destino se ha empecinado en hacerlo infeliz. Trabajo inspirado en la novela "La Familia de Pascual Duarte" del Nóbel Español José Cela.
Proyecto multidisciplinar del Teatro del Embuste, Las aventuras de Pinocho ante una comisión de la verdad habla de la lucha de Guepeto, un humilde carpintero, por descubrir la realidad frente a los hechos que rodearon la desaparición –o muerte– de su hijo. Prisionero en el vientre de un inmenso pez, el viejo carpintero confronta a quienes fueran los compañeros de Pinocho en su violento y atribulado trasegar. Combinando el tono inocente de un cuento infantil con la crudeza de los testimonios reales recabados por la Comisión de la Verdad, la pieza narra los esfuerzos de una comunidad por esclarecer su propia historia, como paso previo para liberarse de una oprobiosa guerra que la ha devorado.
A través de una charla o Perorata performativa, un actor en compañía de otro actor y de un tomate cuadrado, ranas, búhos, piedras, estrellas, libros, cartas y otras memorias, busca las huellas del maestro con el que trabajó durante 44 años. En esta Perorata se mezclan la vida, la ficción, el juego, la entrevista imaginaria, la música y la memoria. Las huellas rebeldes de aquel maestro se evocan y se hacen presentes para compartirlas con quienes lo conocieron y con aquellos que no tienen idea de quién fue. A través de esta Perorata se busca contagiar algo del humor, las reflexiones, el sarcasmo y sabiduría de uno de los grandes creadores del teatro colombiano, Santiago García.
“El Rey Wenceslao ha muerto, y dejó la orden de buscar a su sucesor dentro del público asistente.” Como sacados de un cuento medieval Cuatro cómicos ambulantes arriban al escenario en una comparsa sin igual llegan con sus instrumentos y cantando su canción. Traen con ellos los más sorprendentes números de circo realizados por títeres para presentar y complacer al Rey o la Reina y a todo público que se convertirá en parte de esta historia.
Esta obra, ganadora del Premio Nacional de Dramaturgia de Mincultura en 1998, nos habla, en medio del humor y la música, de una ciudad fallida por el mal manejo de sus gobernantes. Debajo de un puente yacen cinco personajes que huyen de las sombras que se han tomado la ciudad, su envidia, arrogancia, ambición y prepotencia los ha hecho desgraciados. ¡¡¡Huir será inútil las sombras lo cubren todo!!!
Montaje realizado para presentar en espacios convencionales y no convencionales. Esta obra de creación colectiva se ha nutrido de la técnica circense (malabares, acrobacia, Acrobalance, equilibrios), haciendo así una fusión entre la técnica teatral y el circo.
En esta obra dos muñecos toman vida durante la noche para ser presa de los sentimientos más normales del ser humano, la envidia, el rencor, la rabia, la tristeza, la compasión, el perdón y sobre todo el amor, que se evidencian a medida que Gregorio y Lupita; los muñecos de trapo, se van descubriendo dentro de su pequeño mundo y por primera vez experimentan la sensación del juego y no la de ser el juguete, transportándonos a un mundo mágico y lleno de sorpresas.
Narración oral escénica que une a dos narradores de larga y corta trayectoria: Juan Carlos Grisales presentará: "Ellos no están aquí" y Alix Martínez "Vida", montajes que dejarán al público sorprendido, mientras van descubriendo la conexión entre ambas historias.
¡EVOHÉ! es un melodrama de ciencia ficción basado en pronósticos sobre la relaciones futuras entre humanos y robots, especialmente en lo que concerniente al sexo y sus implicaciones sentimentales. ¡EVOHÉ! cuenta la historia de una expareja, separada hace pocos meses, que se citan nuevamente bajo la excusa de resolver asuntos pendientes. Sin embargo, una compra reciente será el detonante que sacará a la superficie las pasiones reprimidas tras la ruptura.
Es una obra de teatro y danza, con un toque de comedia; que nos invita a hacer un recorrido por los lugares más representativos de nuestro hermoso país, Colombia. Una campesina y un extranjero son los personajes principales; quienes con todas sus ocurrencias van en busca del preciado tesoro. ¿Cuál será ese tan anhelado tesoro?. Ven y descúbrelo en el Teatro Barajas.
Un hombre busca en el drama de su pasado sus orígenes, descubriendo que su madre fue víctima de violencia por varios hombres que ahora regresan para atormentarlo.
El Viejo Geppetto, ha tenido una gran idea, es construir un bello muñeco de madera para que lo acompañe en sus ratos de soledad y de paso ganarse un pedazo de pan y un traguito de vino. Para ello le pide a Antonio, su viejo amigo y también carpintero de profesión, que le regale un trozo de madera. Antonio le regala entonces un pedazo de madera que curiosamente tiene un comportamiento algo extraño. El pobre Geppetto no tiene idea de lo que tendrá que pasar con este pícaro muñeco.
Podría señalarse como un acto al borde, sobre la limitaciones humanas, donde un personaje como salido del fondo de la tierra, una especie de ser primario, desnudo, en torno a una olla y el agua, nos muestra desde el cuerpo y el pre-lenguaje verbal, el conflicto por la vida. La poesía primaria y el rigor del actor son la base de una pieza que representa un acto de profundo agradecimiento por vivir.
El grupo de actores de la Candelaria se propuso trabajar el tema de la verdad y la mentira de forma individual y en el proceso hubo varias muestras en las cuales se presentó una primera propuesta presencial de imágenes donde participaron actrices invitadas que recreaban los fantasmas que desde un principio el personaje veía en sus visiones. El la virtualidad como resultado el actor hizo grabaciones para mostrar en la virtualidad un personaje que representa todos los textos en traje de kimono para hacer karate. La última muestra se realizó presencialmente con la compañía de una gallina que interactuaba con el personaje durante toda la representación. Cada momento permitió analizar y decantar lo que hasta ese momento se llamó: “La verdad verdadera” … El resultado final se definió montándose escena por escena; cada una de las diez (10) elaborando simultáneamente la escenografía, el vestuario y la utilería de todos y cada uno de los momentos y que requirió de la ambientación de atmósferas de este esperpéntico personaje parroquial de la Colombia violenta gracias al poder ejercido por la religión, el militarismo y la política en la historia reciente heredada dese la Constitución de 1886.
Los viajes de Colón y el “cuento” del descubrimiento se traen a la escena contemporánea con elementos propios del teatro y la comedia, con el objeto de mostrar acontecimientos y situaciones en el contexto de la modernidad.
El Dorado Colonizado es una obra que utiliza versos y rimas en la elaboración de un lenguaje que busca sonoridad y ritmo en sus palabras con una jerga cómica y satírica que expresa la historia escrita por locos, representada por otros más locos, en un mundo absurdo donde todos se creen cuerdos.
Un hombre es cuestionado por cortarle la mano a un dictador.
Un hombre cuestiona la verdad y la razón.
Una sociedad cuestiona al individuo.
El individualismo cuestiona a la sociedad.
El juego, el juego y el juego es el devenir de los individuos... Juguemos carajo.
Yo solo creería en un Dios que sepa bailar.
Cuando vi a mi demonio, le hallé serio y grave, profundo y solemne. Era el espíritu de la pesadez; por él caen todas las cosas.
No se mata con la ira, sino con la risa:
¡Matemos pues al espíritu de la pesadez!
Aprendí a caminar, y desde entonces, corro.
Aprendí a volar, y desde entonces no tolero que empujen para pasar de un sitio a otro.
Ahora soy ligero, ahora vuelo, ahora me veo a mi mismo por debajo de mí.
(Zaratustra)
Ahora soy un Dios que baila porque sí, ahora solo creo que todos somos
DIOS, no hay uno, hay miles de miles de millones de Dioses...
¿Por qué siempre es uno, porque no podemos ser todos?
En el pueblo de Santa Raquel de las lágrimas todo era paz y tranquilidad. El día en que el General Nicanor Giraldo llegó al pueblo con un batallón del ejército nacional, las cosas empezaron a cambiar . El primer hombre que nació en el pueblo se enamora de la hija del general, una anciana que tiene premoniciones sobre una tragedia, un par de soldados que se ven obligados a cumplir órdenes, una mujer viajera, un vendedor de helados; Personajes que se verán enredados en Santa Raquel de las lágrimas, una historia de amor en tiempos de guerra.
Antonio despierta el día de su cumpleaños y ha decidido celebrarlo realizando un viaje. Esto lo obliga a usar sus ahorros que hasta hoy, engordaban a su adorado marranito. Luego de consagrar a "Wilfrido" su eterna compañía. Antonio emprende su viaje, que como todo viaje debe ser documentado.
y.... mientras el sol da vueltas.
Antonio se da cuenta que, pese a las miles de fotos tomadas, solo está en su viaje, siendo su imaginación fiel compañía, una compañía que quizá .... lo lleve a emprender un viaje insospechado.
Es una obra creada por Patricia Ariza con dos actrices del teatro la candelaria sobre el desplazamiento forzado de las mujeres. La motivación de la obra es mantener la memoria viva de lo que significa el destierro y la memoria. Las personas que han sido obligadas a salir de su lugar de origen a abandonarlo todo, mantienen como nadie la memoria viva de su lugar, la cultura.
Se trata entonces de un viaje de huida, es a la vez un viaje por la memoria del lugar perdido y los sentimientos de extrañeza del lugar de llegada.
Partimos del encuentro con algunos personajes históricos cuyo trabajo ha conmovido los cimientos de la occidentalidad y que constituyeron, a finales del siglo XIX, una nueva manera de pensar lo existente: Nietzsche, Freud, Lou-Salomé, Rilke y Rée.
El vórtice intelectual y afectivo que permitió el encuentro entre estos personajes fue Lou Andreas Salomé: una intelectual de origen ruso cuya búsqueda ética de libertad encendió las vidas y las obras de esta cofradía de maestros de la sospecha.
A partir de las búsquedas y contradicciones de cada uno de los personajes se fue tejiendo una ficcionalidad que nos permite plantear un manifiesto ético/político sobre la libertad en medio del surgimiento de ideologías neoconservadoras que pretenden reducir la condición humana a un plano inmaculado e hipócrita.
A un concurso de televisión donde nacen y premian nuevos talentos, llega un grupo de actores, bailarines y cantantes muy especiales a presentar su audición. Todos ellos esperan su momento mientras podemos ver el detrás de cámaras, a un productor déspota y un presentador arrogante que no les importa el talento o calidad artística de los participantes, solo quieren que su SHOW y la industria del espectáculo gane rainting. Estos artistas nunca son atendidos dignamente, solo son maltratados por la industria del entretenimiento, son manipulados por el productor y presentador del programa con la finalidad de ridiculizar sus números y que el contenido sea banal. Pero la historia cambia radicalmente al ver sus números en escena que logran cautivar a los directores del programa quienes ahora quieren convertirlos en estrellas a punto de pedirles autógrafos. Todo esto sucede en un ambiente de alegría y comedia.
"Las Peregrinas son viajes a través de la mirada de dos mujeres que deambulan por espacios conocidos y desconocidos, quizá entre la vida y la muerte, revelando de esta manera diversos episodios que no son más que los sueños, recuerdos y aconteceres del mundo contemporáneo.
Estas mujeres, a pesar de tener situaciones críticas, con el divertimento expuesto en un
umbral, revelan el mundo tragicómico en que vivimos.
Las Peregrinas, es una novedosa propuesta teatral que utiliza elementos del teatro gestual y
del teatro no verbal, un rompecabezas donde cada cuadro posee una unidad independiente,
permitiendo múltiples lecturas."
El texto y la puesta en escena de “Enajenado”, a cargo de Carlos Alberto Sánchez Quintero, logra recoger el espíritu del cuento original y llevar a la voz en primera persona de Aksenti Ivánovich la truculencia del relato. No es la esquizofrenia ni la demencia lo que se revela sino la sociedad que rechaza, desvalora, invisibiliza, arrogante en sus modos de marginar. La sociedad que enjaula y encierra, al que parece como distinto, al que se mira como menos. La locura es aquí, rebelión, la opción de reivindicación del que ha sido ninguneado. El texto es construido con fluidez y sin excesos, de modo que la narración es siempre clara y el proceso del personaje visible en todo momento. El espacio que sugiere el montaje se muestra como el ámbito del deterioro en el que la psiquis y la moral del personaje han caído, así como su condición humana que se denigra al extremo. Esta obra cuyo humor en extremo sarcástico, interpela al espectador, lo pone en crisis respecto de sus componentes sociales. Una obra en formato de tragicomedia, que abrazan magistralmente el teatro y la literatura.
María del Pilar Hurtado, una mujer afro, lideresa social y recicladora, huye a tierras nuevas junto a su hijo Gabriel, un niño con discapacidad múltiple; huyen de la muerte, huyen dejando muchas cosas atrás, huyen. Ella trabaja para que su hijo termine su estudio y cumpla su sueño, ser futbolista de la selección Colombia. A pesar de estar sumidos en la injusticia, la violencia y la pobreza que rodea su nuevo hogar, hacen lo posible por cumplir sus mayores anhelos, entre ellos tener una casa digna. Al mismo tiempo, Montilla, un niño reclutado por unas fuerzas armadas, sueña y hace lo posible por terminar sus estudios desde la virtualidad. Estas dos historias terminan entrelazándose por la inesperada y prematura visita de la Muerte, un ser divino que va en búsqueda de unos impostores que le están suplantando su labor, haciendo listas de personas y acabando con ellas. Gabriel y Montilla no tienen otra salida que enfrentarse a ella, mientras todos celebran que la selección Colombia gana la final de la copa América. Público a partir de 13 años en adelante.
Toda mujer es Guaricha. Toda Guaricha es una mujer. Esta pieza que no es teatro, ni performance, ni tampoco concierto… es una apuesta desde la sensibilidad femenina que a través de la palabra, el canto y la música te lleva a develar tus pasiones y el verdadero lugar de lo femenino en una cultura como la nuestra.
Una obra no tan improvisada, no tan escrita... Un dueto de danza involucrando la improvisación
Campus Stellae cuenta la historia de Aquileo, quien vive con su hermano Eustorgio en un pequeño apartamento. Él es un artista diletante sin trabajo, mientras que Aquileo es un empleado de servicios que busca la iluminación espiritual.
Una noche, Aquileo sueña con un espíritu que le dice que pronto va a morir y que debe ir al desierto de la Tatacoa a buscar la salvación. En su búsqueda trascendental, Aquileo se topará con personajes extraños, grotescos y monstruosos, que hacen parte de una fauna extraordinaria, combinada con imágenes y símbolos propios del sueño, así como obstáculos simbólicos para alcanzar la iluminación espiritual.
Bruna y Oscar, los personajes principales del espectáculo se encuentran en un “lugar” donde intentan no olvidar. Se resisten a que las vivencias en su país sean desaparecidas con el tiempo, la indiferencia y el olvido. Es una obra que, a través del humor negro, nos muestra un país que está a punto de desaparecer y en el que la única esperanza es sobrevivir en la cabeza de alguien, aunque sea por un momento.
La obra nos presenta personajes pintorescos y música en vivo que vuelven armónicos y divertidos los recuerdos que se resisten a quedar en el abandono.
Tres pacientes de un hospital psiquiátrico descubren que a pesar de sus diferencias tienen más cosas en común de lo que creen.
La vida, la existencia misma, es una de las cargas más grandes del ser humano. Persiguiendo el dinero para ser felices, aunque el vacío de no sentirnos completos nos haga cenizas. Esa es la vida de Saúl, un ex Coach de superación personal que ahora conduce para un aplicativo de transporte. Su mente atraviesa un laberinto de voces susurrantes que lo han llevado al borde de la autodestrucción.
Entre conversaciones con sus pasajeros, Saúl se dará cuenta que las personas no vienen por el azar ni capricho del destino. Estas vienen con una meta muy clara, hundir a Saúl o, por el contrario, ayudarlo a sanar esas heridas invisibles que duelen.
Esta historia escrita por Ed Vega, dirigida e interpretada por Daniel Calderón está contada en el formato interactivo de teatro con WhatsApp, el cual le permite al espectador, en estado presencial, decidir sobre el destino de la historia hacia una meta final de sanación, dejando en claro que la salud mental es muy importante para poder construir una mejor sociedad.
Los tres cerditos viven con su mamá, quien tuvo que huir en su juventud de su terruño para ir a cuidar a su familia en otra parte.
Al pasar el tiempo, los tres cerditos crecen y deciden cada uno irse a vivir a diferentes regiones: la costa, el valle y las tierras montañosas. Pero en cada lugar, se encuentran con lobos ambiciosos que tratan de quitarles lo que han construido con su trabajo. Así, terminan sin sus casas, huyendo a pie sin rumbo definido.
En el camino se reencuentran con un viejo amigo, el tucán Tulio Cantor, quien les ayuda y, mediante el empleo del ingenio, logran que los lobos terminen derrotados por sus propias ambiciones.
Esta obra escénica se inspira en el cuento popular europeo del siglo XIX, Los Tres Cerditos y busca mostrar el problema del desplazamiento forzado de personas, familias y poblaciones enteras, cobrando vigencia frente a la realidad actual que vive el país y el mundo.
En esta obra los héroes son villanos, que carecen de piedad, desafían el respeto por las reglas de la existencia y sacian sus instintos de ambición y desenfreno. Los ardides, la mentira, la temeridad y la sed de gloria y de riqueza dieron a los agresores el derecho a contar la historia. Pero Hécuba tiene una mirada distinta, conserva su grandeza interior y las experiencias que ha tenido que vivir la han convertido en una mujer sabia, capaz de lo imprevisible. Hécuba, reina de sí misma, es un personaje que trasciende el tiempo y le habla a la sensibilidad de nuestra época.
Las fuentes legendarias del teatro griego, en manos de Eurípides, nos han proporcionado este personaje fascinante que el Teatro Tierra ha retomado para plasmar una noción distinta de los dilemas suscitados por la insensatez de la guerra y la voracidad del expansionismo imperial.
Fue Lou Andreas Salomé, una intelectual de origen ruso, cuya búsqueda ética de libertad encendió las vidas y las obras de esta cofradía de maestros de la sospecha.
A partir de las búsquedas y contradicciones de cada uno de los personajes se teje una ficcionalidad que nos permite plantear un manifiesto ético/político sobre la libertad en medio del surgimiento de ideologías neoconservadoras que pretenden reducir la condición humana a un plano inmaculado e hipócrita.
Espíritu Libre es una obra cuya escenografía propone alegóricamente la psiquis humana desde la perspectiva de Freud. Un espacio en blanco en el que solo hay acceso por tres puertas: El Súper yo, El Ego y El Ello. En ese mismo sentido, el diseño de luces provoca la construcción de atmósferas que revelen la angustia que significa la lucha humana permanente de encontrar equilibrio entre las tres dimensiones antes mencionadas.
Cómo es recurrente en el lenguaje de la imagen que propone el Teatro Occidente, se propone un montaje interdisciplinar y multimedial en el cual la música en vivo, el diseño sonoro in situ, la danza y el video contribuyen a generar preguntas por la condición humana.
Freud, al perder su sentido del olfato, intenta recuperar su díscola nariz. Mediante su propia práctica psicoanalítica, la hace sentar en el diván, con el deseo terapéutico de qué ésta pueda reincorporarse a su yo, entrando en razón. Mas la nariz ya poseída por el demonio de la adicción, huye de él, presa de un delirio omnipotente que la precipita por el abismo de su caótico hedonismo.
No contenta la nariz con proclamar su absoluta independencia con el fin de adquirir su propia personalidad, secuestra y seduce a su prometida, hasta arrastrarla consigo por el torbellino de la pasión amorosa y el eros compulsivo y desatado.
La fantástica situación irá generando un caos interno en el Dr. Freud, a quién no sólo le produce un ataque desenfrenado de celos, sino que, además, lo conduce a una disolución continua de su ser que atomiza y va fragmentando su cuerpo, produciéndole una crisis existencial y una pérdida irreversible de identidad total; en donde una nariz sexuada y adictiva gobierna a los demás órganos y sentidos, poniéndolos al servicio de su propio placer.
En esta ocasión Eugenio Barba y Julia Varley nos llevarán en un recorrido a través de su historia de vida, entretejiendo las experiencias de más de cincuenta años en el teatro con los derroteros teóricos de su pensamiento y las estrategias de su práctica artística.
Viajando por Cinco Continentes, y en un diálogo con los participantes, se abordarán las preguntas fundamentales sobre el dónde, cuándo, cómo, con quién y el por qué del teatro.
Primer Continente - ¿Dónde?
¿Es el teatro un lugar? | Los orígenes del Odín Teatret. | La elección de la periferia como acto político
Eduardo, un músico de 83 años parte a un viaje inédito en búsqueda de su ataúd. En su recorrido hará diferentes paradas, trasegando entre lo quimérico y la realidad.
Continente Gris, una pieza de teatro físico, de objetos y es un canto a la memoria, a la vida y su constante latencia.
Dentro de la Modalidad del cubano Francisco Garzón Céspedes “Narración Oral Escénica” y tomando como hilo de conducción la temática del amor, Carlos Pachón Rodríguez, creador de la nueva Área recreativa, artística, cultural y pedagógica de la comunicación social y de las artes escénicas “Narración Oral Contemporánea”, selecciona y narra algunos cuentos de su autoría, otros de la tradición oral, y la adaptación libre del cuentos extraído de la novela “Tienda De Los Milagros” del escritor Brasilero Jorge Amado, a través del cual devela en tono jocoso y reflexivo el erotismo y la picardía propia de nuestra idiosincrasia; relatos estos, que son alternados a modo de enlace con poemas cortos del poeta español Gustavo Adolfo Bécquer, para sensibilizar e impregnar al Espectador-Oyente con la lúdica y riqueza de la imaginación, durante los setenta minutos que aproximadamente dura este singular espectáculo de contenido para Espectadores-Oyentes jóvenes y adultos.
El narrador entra cantando al escenario vacío con morral dulzaina y guitarra para contar y cantar historias de distintos autores que invitan a pensar en la importancia de escuchar con sentido crítico. Del morral extrae su silla y otros elementos que le permiten acompañar visualmente las historias narradas. Para esta convocatoria el repertorio seleccionado está compuesto de dos cuentos y cinco canciones que se entremezclan con adivinanzas y juego que propician la participación directa del público. La estructura dramática de la obra ha permitido ampliar el repertorio de cuentos diversos (seis creados hasta el momento) y seleccionar para cada presentación los más adecuados según el tipo de público. “El Pequeño Planeta Perdido” de Ziraldo (Brazil), “La historia de Eco” versión libre tomada de diversos textos, son los cuentos principales acompañados de las canciones “Para Contar y Cantar”, “Sentados y Flotando” compuestas por el narrador, “Canción del Eco” del grupo Canto Alegre y “El Lobito Bueno” del poema de J. Agustín Goytisolo musicalizado por Paco Ibañez. La propuesta está dirigida a niñas, niños y público familiar. Apta para presentarse en salas de teatro y espacios no convencionales. Duración aproximada 45 minutos.
Jugar, soñar, crear, romper las reglas que la oprimen y navegar entre las historias que son fruto de su imaginación, son las actividades favoritas de Soledad, una ratoncita perspicaz que hace de la escritura su más preciada herramienta para subvertir las imposiciones de su tiempo y alcanzar algo cercano a la libertad.
Aldebarán es una puesta en escena multidisciplinar que aborda de manera libre las creaciones de la escritora decimonónica Soledad Acosta de Samper, las restricciones que le imponían su época, la sociedad y las búsquedas creativas que le permitieron convertirse en un agente de la historia.
Desde un hospital psiquiátrico, Rose transita en sus memorias familiares, reconstruyendo diversos episodios de su vida, hasta perderse en ellos. En este lugar de la memoria, escuchamos el eco lejano de las palabras de Tom (Tennessee Williams), quien llama a su hermana desde la distancia a través de un viaje de evocaciones.
A partir de obras, textos y cartas de Tennessee Williams y Rose Isabel Williams, se retrata la historia de Rose Isabel, hermana del dramaturgo norteamericano y base fundamental para muchos de sus personajes femeninos. La ejecución del montaje corre a cargo de una sola actriz, quien recrea la historia y nos llevará en este viaje junto a su madre y a su hermano Tom.
Wonder, Hasta aquí nos trajo el río, es la historia de una pareja de ex-novios que comparten con el público su historia de amor. Lorenza y Charly le enseñan al público la fórmula para volverse el mejor amigo/a de su ex. Lorenza lleva su vida llena de incertidumbres, sin trabajo, poca comida y con una sensación de soledad constante. Charly es un hombre positivo y enérgico, un prototipo de galán de telenovela que siempre le apostó al amor, pero que en realidad es un desafortunado en el tema, así que los desplantes constantes lo llevan a tomar decisiones que siempre cambian el rumbo de sus deseos.
En medio de este panorama, este par de personajes se encuentran evidenciando la lucha continua consigo mismos y llevando al escenario la historia de dos seres humanos - súper héroes de sus propias vidas - que intentan afrontar de la manera más sagaz los por menores de su cotidianidad.
Yo soy José Raimundo Russi, o lo que queda de él, soy otra de las presencias, energías, mutaciones y ausencias, uno más de los seres que habitamos el limbo entre la vida y la muerte... cuando no hay descanso eterno, ni brilla la luz perpetua.
Esta obra que veréis y viviréis en este diáfano día, es mi historia, mi versión de los hechos que acontecieron en el aciago año de 1851, cuando fui fusilado injustamente. Una y otra vez valdrá la pena rebelarse a los designios de un sistema indigno, socavar la grieta y desgarrar los muros.
Sed bienvenidos y bienvenidas a esta fantasmagórica experiencia entre la vida y la muerte, permitiros por un instante hacer parte de los buenos muertos y de los malos vivos...
Klaus El Rico, Klaus El Pobre. pertenece al género de cuentos de astucia, donde el protagonista es un personaje pobre pero inteligente, que, merced a esa inteligencia -o a esa astucia, que es otro tipo de inteligencia- logra salir indemne e incluso ganador ante las malas pasadas que le juega su compadre, Klaus el Rico, quien representa al avaro, al insaciable de poder y riqueza, al que sus malas intenciones y la habilidad de su contraparte conducirán a la derrota final. En el transcurso de la obra, el narrador (Oskar Corredor) realiza una breve contextualización del universo de los cuentos de Andersen y su carácter de historias universales. Después de pasar a vuelo de pájaro por algunas de las historias más conocidas de este autor danés, se narra la historia que da título al montaje, adaptada de manera libre por el narrador. Un hombre pobre y buena persona es atropellado en injustos tratos económicos y laborales por el rico del pueblo, quien tiene el mismo nombre (Klaus) y el mismo amor platónico (Rosalinda). En medio de esta cadena de abusos, Klaus el Rico mata al único animalito, a la única posesión, al único amigo de Klaus el Pobre: su caballo. Este será el punto de partida de un cambio de actitud, lo que produce, de forma natural, una serie de sucesos que llevan a Klaus el Pobre, de la miseria absoluta a la consecución de dinero, posesiones, ganado y amor, mientras que por su parte y gracias a la estupidez de su ambición, Klaus el Rico va eliminando por mano propia a sus mejores caballos, a su abuela y en el paroxismo de su avaricia, a sí mismo. Es una historia divertida, pícara, no exenta de humor negro, que ha recibido una cálida acogida por los distintos públicos a los que se ha presentado. (Duración Una hora y quince minutos)
En un ambiente de música de flautas, semillas y sonajeros, tambores profundos y cantos bellos, transcurre la búsqueda de Zoro a su familia por río y por tierra.
En el camino, Zoro encuentra bosques fantásticos, frutas que corren, un tigre de vidrio, la madre tierra y otros personajes que le siembran de aventuras el camino de regreso a la comunidad del agua, propiciando un feliz reencuentro con su amada familia.
El Niño de la Selva nos cuenta las aventuras de un niño indígena, que por cuenta de un asalto inesperado queda solo en su canoa, apenas acompañado por un ave tente: el pájaro que cuida a los niños en la selva.
Teatro Comunidad creó la obra El Niño de la Selva en homenaje al escritor colombiano Jairo Aníbal Niño, con la intención de difundir ampliamente su obra literaria y animar a niños y niñas a la lectura.
El espacio es acogedoramente cálido y la historia atraviesa el cuerpo de las actrices quienes, a través del relato, el canto y la danza van conduciendo esta pequeña odisea hacia el universo interior de María, su intimidad, sus amores, sus miedos, sus preguntas, su vida y sus borracheras.
Así como ella vestía su cama de flores, está casa florece también, en sus paredes, en sus columnas, en sus muebles y en todo su ajuar. El comedor y las sillas se visten de colores y pareciera que la alegría es la mayor invitada en esta mesa, aunque esté dispuesta para los ausentes.
La música en vivo es uno de los hilos conductores de este viaje, pues las canciones que allí se escuchan, se las cantaba María Concepción a su nieto Iván Peña, quién además dirige esta puesta en escena y toma como inspiración su historia de vida y logra plasmarla en cada detalle del montaje.
En el ocaso de su vida, una mujer repasa su historia, la huida de su casa materna, el encuentro con el erotismo y la discriminación que sufrió por ser una mujer “diferente”.
El Ocaso de las Mariposas es un viaje en retrospectiva por la vida de una mujer que vive sus últimos días sola en una casa de puertas cerradas, inundada de hojas secas y cartas.
El monólogo aborda la historia de las mujeres en los albores del siglo XX a partir de la obra de Federico García Lorca.
“Se vende una mula”. Comedia de equivocaciones donde una hacendada y su familia, sus dos hijas solteras y dos criadas, deciden vender una mula por estar ya vieja y enferma. La confusión surge cuando llega de la ciudad el pretendiente de la hija menor a pedir la mano de esta, coincidiendo con la llegada de un campesino que quiere comprar la mula, situación que crea los enredos cómico-dramáticos, con un desenlace inesperado. La obra es ambientada con temas musicales interpretados en vivo.
La obra muestra el conflicto entre los animales y los humanos, por la tierra habitable, casi destruida. Todos luchan por sobrevivir en medio de las consecuencias del cambio climático y la violencia. Toda acción cuenta para cambiar el rumbo de la tierra, el tiempo avanza, a través de canciones y cuadros se narra un posible futuro, pero aún hay esperanza.
A una biblioteca en ruinas llega Parlanchín Callado, un gracioso mico acrobático, encargado de limpiar las bibliotecas vacías. Entre pilas de libros corroídos por el tiempo, Parlanchín descorre una sábana en la que encuentra a una mujer libro gigantesca llamada Princesa Tintania. Ella le cuenta a Parlanchín que, si no la lee, sus letras caerán para siempre en el olvido.
Al leerla, Tintania tiembla y aparece un misterioso personaje llamado, Edda (seudónimo de Rafael Pombo), quien les pone la misión a Parlanchín y a Tintania de acompañarlo a revivir las letras ocultas en el libro.
Entre música, poesía, clown y magia, Parlanchín, Tintania y Edda revivirán al poeta coronado Rafael Pombo.
Justina muere a causa de la violencia de un pueblo ficticio, durante su sepelio regresa de la muerte y pide cuatro días más de vida para contar su historia.
Justina narra desde su recuerdo situaciones como la violencia contra la mujer, el despojo, la memoria, la guerra, el progreso que arrasa la cultura, el desplazamiento. Situaciones que se repiten constantemente y que es necesario nombrar para poder reconocernos como habitantes de un país en donde todo se normaliza.
Encarnando a hombres y mujeres que a diario se salen del molde y de la etiqueta, Justina le habla duro a una sociedad que vive inmersa en la banalidad y que se ha convertido en el tiro al blanco del poder.
Desde la metáfora, la poesía, la sátira y la burla de nosotros mismos, hacemos un homenaje a los “locos” que todavía gritan a pesar de la muerte, para borrar de la faz de nuestro territorio la maldición de la sangre.
Aquiles o el guerrillero es una creación colectiva del Teatro Quimera en homenaje a Carlos Pizarro León Gómez, a partir de varios textos consultados que constituyeron la base para la preparación y puesta en escena de esta obra. Entendemos que el mejor homenaje es la trascendencia, no por su valor personal, no por su carisma, pero sí por su compromiso, convicción y apuesta por un camino de paz.
Una de las referencias que inspiró la creación de esta obra fue la novela póstuma de Carlos Fuentes, Aquiles o el guerrillero y el asesino, en la que plantea un símil con Aquiles, héroe de la Guerra de Troya y el más fuerte, rápido y bello guerrero de La Ilíada de Homero. Pero su lectura no se quedó ahí, sino que nos motivó ir a otras fuentes: Siembra vientos y recogerás tempestades, de Patricia Lara; Jaime Bateman. Biografía de un revolucionario e Historia de un entusiasmo, de Laura Restrepo, y Las mujeres en la guerra, entre otros.
Este universo referencial nos permitió tener la base para crear este espectáculo, sin ningún ánimo de hacer una obra-documento, ni un relato histórico, sino más bien una visión particular desde la poesía, desde el teatro mismo, donde pueda establecerse este puente con las narraciones épicas, las grandes batallas, las ingentes luchas del ser humano por crear un mundo mejor, que se pueda vivir en paz, donde la vida no sea asesinada en primavera, como lo cantaba Carlos, el poeta-guerrero.
A través de una progresión de colores y ropa en gran cantidad, viajamos a través de lo poético, lo trágico y el jolgorio de las memorias impregnadas de Colombia, un pueblo construido por el mestizaje de pieles, ritmos y culturas, que en su corazón ha ido atesorando un universo multidimensional de símbolos, imágenes e íconos folclóricos.
Degradé, referente a los años 1.800 a 2.000, es un dibujo onírico y acrobático con un estilo circense que mezcla la danza, el teatro físico y la música popular.
La obra de teatro Plomo busca hacer memoria sobre la cruda violencia que durante años ha estado presente en Colombia. Ríos de historias recorren las regiones del país, por ello, la historia se centra en tres personajes que han estado sumergidos en la guerra de los últimos 70 años. Estos tres personajes se relacionan aparentemente en una celda, donde están encerrados buscando huir. Allí reconocemos a un joven guerrillero que busca cambiar su futuro, a una guerrillera persiguiendo venganza y a un campesino intentando vivir en medio de la guerra.
Poco a poco, la pieza nos revela que estos seres se encuentran encerrados en un juego escénico que llevan repitiendo incansablemente. Solo hay una salida, la paz… ¿será fácil alcanzarla?
Quijote Severo de-mente, por leer mucho y comer poco se le secó el cerebro. Alonso Quijano escapa de la realidad para convertirse en un caballero andante, un héroe, como el de sus amadas novelas de caballería: Don Quijote de La Mancha. Viviendo mil aventuras junto a Sancho, su fiel escudero, buscando hacer justicia para un mundo mejor, siempre en nombre de su amor imposible: Dulcinea del Toboso.
La obra es una adaptación del clásico de Miguel de Cervantes en un lenguaje moderno y coloquial, jugando también con el verso y la prosa adornada de Cervantes, utilizando las técnicas del clown y la comedia del arte, con canto, baile y música en vivo.
Decía Rabelais que sólo el hombre es capaz de curarse a través de la risa. Así pues, esta obra se define como un canto a la vida, una proclama de respeto y amor por el ser humano y una exaltación de la naturaleza en todas sus expresiones.
Gargantúa toca dos temas centrales que ahora y siempre han sido de especial relevancia y magnitud: La Educación y la Guerra. Frente a lo primero, la obra cuestiona la educación tradicional escolástica y la contrapone hacia una mirada más humanista y progresista del conocimiento, las artes y las ciencias. Por otro lado, los incontenibles hábitos belicistas de reyes, señores y poderosos de todas las latitudes, también son ridiculizados por Rabelais, quien busca encontrar una forma legítima de hacer respetar y defender a los demás, que preserve la independencia, la libertad y la paz de las personas, los pueblos y los países.
Gargantúa, clásico invaluable de las letras francesas, se presenta como una serie de variadísimos y divertidos episodios que relatan la vida del mismo Gargantúa y las vicisitudes de su país. El divertimento que recubre la obra es sólo un pretexto para pensar y meditar sobre temas complejos.
Basado en la leyenda de San Jorge, adaptación de Ernesto Aronna, Solano el reino de Bagdad, se ve aterrorizado por el temible dragón de la lengua escarlata, quien pide a cambio de dejar el pueblo en paz a la princesa Zulima.
Zulima acepta el pacto y estando en cautiverio logra saber cuál es la fuerza que podría derrotar al dragón. Ella le hace llegar este mensaje al sultán y deciden llamar el príncipe Omar que, según la leyenda, posee una espada mágica de gran poder que puede vencer hasta la más temible amenaza.
Mujeres en la Niebla es la historia de varias mujeres que fueron fundamentales para el triunfo de las tropas patriotas en el cruce del Páramo de Pisba y en las batallas del Pantano de Vargas y del Puente de Boyacá.
¿Cómo afecta la guerra a la salud mental? Como causa de los conflictos sociales un grupo de pacientes víctimas de los diferentes conflictos del país, recluidos por diversas causas, comparten sus problemas mentales en situaciones dramáticas o jocosas.
La obra de teatro Entre Sombras, trata la esquizofrenia urbana producida por el estrés postraumático de la violencia en sus diferentes formas.
Mr Peanut es un personaje arquetípico del Odin Teatret. Es un personaje que no puede morir. Su cabeza en forma de calavera lo identifica como la Muerte. Nació lentamente, pero es como si siempre hubiera existido. Mr Peanut ha tomado diferentes formas, se ha vestido de mujer y de hombre, ha participado en muchos espectáculos del Odin Teatret.
Esta obra es una biografía y un homenaje a Mr Peanut.
Abigail Williams, su prima y un grupo de adolescentes de Salem Massachusetts, se reúnen para conjurar sus más secretos deseos con la ayuda de Tituba, una esclava que conoce secretos rituales de su tierra. Son descubiertas por el pastor de la población, el reverendo Parris , quien además es tío de Abigail. Para encubrir el hecho "pecaminoso" de las chicas, Abigail y sus amigas inventan unos supuestos ataques de unas brujas que las llevaron a cometer actos non sanctos. Esto desencadena en una serie de juicios en los que fueron condenados a muerte varios pobladores de Salem víctimas del deseo de venganza de una adolescente sin escrúpulos.
La puesta en escena explora sobre la creación de atmósferas desde la acción dramática y la creación de personajes e incluye música de tambores en vivo y bailes cantados del litoral atlántico colombiano para resaltar estas atmósferas. Se pone en escena el primer acto de la obra dándole unidad a la puesta sin depender de los otros tres actos que escribió Arthur Miller
Las Hijas de Lilith, es una obra que parte de la adaptación de textos literarios para la oralidad, en la que se plantea una línea narrativa desde el primer cuento: La historia inicial, corta pero contundente plantea el universo de sentido en el que se van a desarrollar los 4 cuentos propuestos. Las mujeres algunas descienden de Eva, otras, las rebeldes, descendemos de Lilith. Establecido este pacto con el público se plantean 4 historias de una calidad literaria mayor, Anaïs Nin, Marguerite Yourcenar, Gary Jennings, y Ángeles Mastretta tienen cada uno su propio lugar privilegiado dentro de la literatura, y los textos cuidadosamente escogidos corresponden a la idea de mostrar esa rebeldía femenina que hace brotar historias. El público cómplice, va caminado de la mano de la narradora por los retratos orales de cuatro mujeres que sin sufrimiento, más bien con un control total de las situaciones son artífices de sus propios destinos, protagonistas de sus historias. Este montaje de narración parte de la adaptación para la escena de textos literarios y la integración de elementos visuales, sonoros y plásticos que nutren y retroalimentan en la puesta en escena.
Un hombre es cuestionado por cortarle la mano a un dictador. Un hombre cuestiona la verdad y la razón. Una sociedad cuestiona al individuo. El individualismo cuestiona a la sociedad. El juego, el juego y el juego es el devenir de los individuos... Juguemos carajo. No se mata con la ira, sino con la risa. ¡Matemos pues al espíritu de la pesadez!
Aprendí a caminar, y desde entonces, corro. Aprendí a volar, y desde entonces no tolero que empujen para pasar de un sitio a otro.
¿Por qué siempre es uno? ¿Por qué no podemos ser todos?
Cómo su nombre lo indica, todo ocurre en un bar que se encuentra en una ciudad en crisis, que está a punto del apocalipsis. Delincuencia común, inseguridad, crisis social, policía corrupta y en el centro de todo esto, Maxine, una mujer de 24 años que ha crecido sola, en la pobreza y que ha perdido a toda su familia. Maxine es la estrella del Bar Escher con su historia veremos la venganza que sobre ella va a desatar Berlín.
El Bar Escher es una obra de narración oral, basada en el guion para narración oral de realismo mágico del mismo nombre, escrita por Rafael López.
La estética de la obra está inspirada en el comic y en la novela negra y el mundo en el ocurre la historia se puede describir en una metáfora: Es como si estuviéramos en Ciudad Gótica, pero sin Batman.
Otelo, una historia goti tropi caribe, nos narra la vida de un prestigioso y honorable militar negro que cae en una maraña de desinformación, engaños y mentiras, llevándolo a cometer el asesinato de su esposa.
Un espectáculo unipersonal interpretado por el actor Ramsés Ramos, diseñado por Mateo Rueda y dirigido por Hernando Parra, basado en la obra Otelo del dramaturgo inglés William Shakespeare, que nos sumerge en un universo de pasiones, celos y muerte, al tiempo que explora el tema del racismo y el poder en Colombia. Una tragicomedia contemporánea donde se libra silenciosamente una guerra. Fuera de los campos de batalla, nadie es quien parece ser. El enemigo acecha en las sombras y puede ser cualquiera de nosotros. Incluso, uno mismo.
Waldo es un adulto sin tiempo, atomizado entre los ires y venires de la ciudad y que hace mucho olvidó que alguna vez fue un niño. En medio de su afán, tropieza con un objeto y cae. Enojado, busca el obstáculo que ha truncado su camino y se encuentra con una pelota amarilla, que lo lleva al portal del recuerdo.
Allí, se adentra en un mundo de fantasía y color, donde encontrará tesoros de su niñez que le recordarán el valor de sorprenderse ante las cosas más pequeñas y cotidianas. Al regresar al mundo de los adultos, Waldo jamás será el mismo.
Esta es la historia de aquellos a los que la violencia los expulsó de sus casas, de sus tierras y de su vida. Julián Mahecha, José Alfonso y los hermanos Ricardo y Aníbal Rojas nos cuentan apartes de sus vidas, a través del discurso denso y fúnebre de la violencia. Un viaje en forma de acusación, un viaje que retrata cómo la muerte y la guerra se convirtieron en narradoras comunes de los relatos de vida.
Esta obra hace una recopilación sobre las violencias que los grupos armados han ejercido en distintas comunidades, que cuestiona el papel de la sociedad civil, marcada por la indiferencia y la estigmatización.
Fueron Tres es un acto de memoria y solidaridad, un homenaje a las víctimas de la guerra en Colombia, que busca rescatar de la censura aquellas historias que la comunidad LGTBIQ+ sufrió en la guerra.
Walter y Yefry son tío y sobrino, ambos sicarios, uno hincha del América y el otro barrista de Millonarios. Los dos aguardan en el sótano de una casa clandestina a que llegue su próxima víctima. Mientras esperan son sometidos a diferentes pruebas que los obligan a enfrentarse, desde el humor y la violencia.
El tío Walter no puede revelar muchas respuestas, el sobrino Yefry nunca dejará de preguntar. Este sótano bogotano se volverá una olla a presión a punto de estallar.
Electra, hija del valiente Agamenón y la astuta Clitemnestra, busca justicia por el brutal asesinato de su padre a manos de su propia madre y su amante, Egisto. El conflicto moral y emocional es evidente en Electra, quien soporta abusos y humillaciones mientras mantiene su implacable deseo de venganza. Clitemnestra, por otro lado, representa la complejidad de una madre que oscila entre el amor maternal y una crueldad despiadada. El retorno triunfal de Orestes, hermano de Electra, desde el exilio, desata una cadena de eventos que llevará a la dramática confrontación final.
El público se sumergirá en el conflicto y la intriga que resalta la atemporalidad y la relevancia de las tragedias griegas, que siguen resonando en la modernidad al abordar temas universales como la venganza, la justicia y la moralidad.
Los personajes:
• Electra: Hija de Agamenón y Clitemnestra. Es valiente, obstinada y está decidida a vengar la muerte de su padre. A lo largo de la obra, su sufrimiento y sed de venganza la impulsan a actuar contra su madre y su amante.
• Clitemnestra: Esposa de Agamenón y madre de Electra. Después de la muerte de su esposo, Clitemnestra asume el control y se une a Egisto en una relación ilícita. Es una figura ambigua y complicada, ya que muestra tanto amor maternal como crueldad despiadada.
• Orestes: Hijo de Agamenón y Clitemnestra, y hermano de Electra. Es exiliado por su tío Menelao para protegerlo de la venganza de Clitemnestra. Regresa disfrazado de mensajero y se une a Electra para llevar a cabo la venganza contra su madre y su amante.
• Egisto: Amante de Clitemnestra y cómplice en el asesinato de Agamenón. Es un personaje vil y manipulador que busca mantener su poder y riqueza a expensas de la familia de Agamenón.
Es un espectáculo donde el teatro y la cuentería popular crean una “conferencia endiablada”, a través de historias picaras, divertidas, fantásticas y misteriosas de los diablos que aparecen en las fiestas populares y en el imaginario colectivo de diversos pueblos de América y el mundo. “La Historia del Diablo , la Muerte y el Soldado”, de la tradición oral rusa; “El Tambor del Diablo”, de la costa caribe colombiana; “Las Dos Puertas”, de la tradición oral zen-japonesas; “El trauco”, de la isla de Chiloe, en Chile; “El Diablo del Carnaval de Riosucio” en Colombia; “Los Diablos Umas” del Ecuador, son entre otras historias, el repertorio de este bello espectáculo presentado con gran éxito en Alemania, España, Cuba, México, Ecuador, y Colombia. “El Retorno Del Diablo”, ha sido invitado a Festival Iberoamericano de Narración Oral “Abrapalabra” en Bucaramanga, Colombia, Festival Internacional de Narración Oral de Guayaquil, Ecuador, Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá, Festival Internacional de Teatro de Calle de Zacatecas –México-,Festival De Teatro Nuevo León –México-, Festival De Teatro De Cali, Festival De Teatro Colombiano De Medellín, entre otros eventos. “El Retorno Del Diablo” es ganador del concurso “Construyendo ciudad con la palabra”, de Bogotá D.C.
Obra que cuenta la vida de mujeres que decidieron tomar las riendas de su vida según su criterio. “La feminidad revestida de fuerza y dignidad” es la consigna principal, resignificar la palabra bruja desde la fortaleza, imperfección y potencia del ser mujer. Dejando de lado las historias donde las brujas solo son “las malas”, para contar las historias donde ellas son el personaje principal, explicando el cómo y por qué se crearon estos personajes femeninos, mágicos y maquiavélicos. Un recorrido por las historias de Lilith, la madre de todas las brujas, Malvina, una mujer capaz de hacer lo que sea por ser la más bella y Bruja que cuenta cómo inició esta persecución de mujeres que se escapan de los cánones que algunos gritan sobre cómo se tiene que ser mujer.
El Espectáculo de narración oral AMOR SE ESCRIBE SIN HACHE, se aleja del humor tradicional acercándose a otro más intelectual, inverosímil e ilógico donde se contará la historia de Lady Silvia, que dedica los días a viajar y a tener una amplia colección de amantes, con el consentimiento de su marido. El protagonista, el distinguido e ingenuo señor Pérez Seltz, alias Zambombo que apenas la ve cae rendido, y está dispuesto a cualquier cosa para mantenerla a su lado. El problema es que la tarea no es fácil, pues Silvia se aburre con demasiada facilidad y, si hay algo que no soporta, es el aburrimiento y la monotonía. AMOR SE ESCRIBE SIN HACHE, Es un espectáculo de narración oral perteneciente al humor de lo absurdo con una crítica a la vida misma.
Catalina es una mujer divorciada, acomplejada, sometida por la precarización y el abuso laboral. Mientras camina hacia el paradero para esperar el bus que la lleva a su casa, empieza a recordar los pormenores de su vida. Mientras tanto se encontrará con un grupo de personajes de muy dudosa procedencia que llevarán su cordura y sus frustraciones al límite.
Llega la noche, el momento más esperado por Mariana, puesto que su abuela Francisca, siempre le narra cuentos antes de dormir. Sin embargo, esta noche no será así, será Mariana quien le relate un cuento a su abuela.
Con una imaginación desbordada y juguetona, Mariana nos cuenta cómo su abuela, con la bondad, el amor a todos sus vecinos y el deseo de siempre de hacer cosas, vence a la muerte, dibujándola como una señora vanidosa, engreída, pero a su vez torpe y muy divertida.
Desde hace décadas, Midas Corona viene trabajando en un proyecto que cambiará la estructura geográfica, política y cultural de América Latina, y desea que su hijo varón, Maximiliano, sea el heredero de este reino que está construyendo. Su objetivo, y el de otras familias aliadas, es el adueñarse de cada centímetro de tierra que compromete a la selva Amazónica, gracias a un estratégico plan de conquista, que expandirá nuestro país a favor de convertirlo en una verdadera potencia mundial.
Maximiliano es enviado al Amazonas en plan de campaña política, y de allí regresa con la certeza de no querer ser parte de esta empresa, sin embargo, no regresa solo, lo acompaña quien, desde su sabiduría ancestral, logrará… ¿liberarlo?
La obra se propone sobre el concepto de “Poder” visto desde las dinastías familiares que han hecho y firmado el destino de países. Es una historia que se articula en movimientos estratégicos, enlaces de apellidos, dineros ocultos y tráfico de influencias, todo con tal de seguir perpetuando el aventajado lugar de históricos linajes.
Rumor es una reflexión sobre el miedo, sobre la gente común, presa de oscuros intereses políticos y económicos que determinan su destino. Las elecciones formales responden a las necesidades del texto, una dramaturgia de primerísimos planos, que trae el eco del rumor y a su vez, ahonda en los silencios, en lo que los personajes callan, en lo indecible.
Con música en vivo, se propone una puesta en escena minimalista anclada en las practicas del teatro contemporáneo, en la que coexisten elementos de teatro físico y dramático, articulados a partir del texto, la música, lo sonoro y el ritmo, en diálogo con elementos de video mapping y audiovisual.
Rumor - Beca de creación de directores de larga trayectoria IDARTES 2019 - es una propuesta de teatro multidisciplinar que hace énfasis en el uso del cuerpo y la voz como herramientas fundamentales.
María y José, en el silencio de la noche, escuchan un disparo y, asustados, se preparan, junto a sus hijos, para lo peor: una revuelta. Inmediatamente después, ante el espanto general, varios vecinos se arremolinan en la casa para decidir, entre todos, la mejor solución frente a la previsible deflagración.
Ninguno de ellos ha cometido falta alguna, ninguno sabía de las intenciones de los rebeldes y, por supuesto, ninguno ha participado de la rebelión. Nada tendrían que temer y, sin embargo, a veces la vida se retuerce al doblar la esquina y, ya, todo es diferente.
Dentro de estas paredes el día y la noche son iguales de sórdidos y la oscuridad de las relaciones entre sus miembros ennegrece más el ambiente. Esta crisis sanitaria que en realidad es también familiar, llega acompasada con el desconocimiento de cuánto durará el encierro y la prolongación de mismo.
Todos, desde adentro, intentarán rehacer la casa mediante acciones con las que lograrán, por un instante, traspasar las paredes y perforar los muros, aunque tengan que seguir encerrados.
Desde Adentro cuenta la historia de una familia en periodo de confinamiento que comparte un primer piso de una casa con poca filtración de luz y aire, mostrando las intensas y complejas relaciones de sus disímiles miembros. Con avinagrados diálogos, dejarán manifiesto la imposibilidad de permanecer juntos y de soportarse por mucho tiempo.
Descripción De La Obra, Ciudad Kafka se propone como un trabajo de narración oral cuyas historias giran en torno a cinco piezas de Franz Kafka: los diarios, El buitre, el artista del hambre, La metamorfosis y El proceso. Las historias están atravesadas por anécdotas y observaciones del narrador. Estas observaciones muchas veces cargadas de humor buscan la comprensión del universal kafkiano desde el escenario de nuestra ciudad. En ese sentido, la construcción narrativa se realiza desde la hibridación y la intertextualidad. Además, la presente obra está acompañada de un trabajo musical realizado por un grupo de música contemporánea electrónica (delirio mus). El trabajo visual como apoyo a la obra se consolida desde la construcción y puesta en escena de un libro-objeto-escenográfico diseñado por el artista plástico Richard Barón.
Aluci-Nación muestra un mundo al revés donde la anarquía y el desorden se convierten en razones de estado.
La rumba y el jolgorio se muestran como las primeras virtudes ciudadanas en esta sociedad caótica que marcha por un camino diferente al de la ley y las buenas costumbres, creando una visión utópica donde autoridad y desorden se combinan en una fiesta permanente.
Dominique, hijo de una mujer enferma y un adepto al cristianismo, aparece accidentalmente en una dimensión donde sus padres hasta ahora se conocen y puede relacionarse con ellos como nunca lo había pensado. Al percibir el comienzo de un desastre, se propone a evitar algunos eventos en sus vidas, para hacer menos doloroso el futuro.
Habitar implica estar con frecuencia en un lugar, pero nada garantiza que el acto de residir esté más relacionado con el abrigo que con el desarraigo, al menos no en una época como la nuestra. Es por ello que el señor L aparece silencioso como un habitante más de la ciudad, intentando refugiarse de la salvaje persecución de la rutina.
La señal intermitente de la vieja televisión lo obliga a levantarse de la silla para desempolvar sus pertenencias: una muñeca desarmable, un perchero que se despedaza con fragilidad humana y la siempre vigilante puerta que permanece muy arriba de él, como un gran ojo cerrado que poco dice sobre el futuro.
A través de una propuesta corporal convencional que codifica el lenguaje del movimiento, Habitar propone una construcción dramática propia elaborada a partir de la utilización de categorías dramáticas clásicas desde una mirada contemporánea, sobre un conflicto humano tan antiguo como el propio hombre: la soledad.
La utilización de recursos audiovisuales propone una línea narrativa que aporta una construcción de sentido paralela desde la crítica a nuestra forma de comunicamos, en tanto que, dentro del universo de la puesta, se constituye en el único vínculo con un ser vivo al capturar imágenes que laten en la memoria con nostalgia.
Una sofisticada marquesa, de los tiempos de la Colonia chilena, sufre un insoportable insomnio y descubre que la música puede ser la solución a su problema, así que contacta a un afamado músico italiano. Este y su torpe asistente, en medio de muchas situaciones cómicas de enredos, en las que interviene también la asistente boliviana de la marquesa, intentan complacerla con su música barroca y su particular forma de interpretarla.
II Concerto se inspira en la anécdota de Bach, quien compuso las Variaciones de Goldberg para que un conde aliviara su insomnio; y al mismo tiempo, es un viaje por la música barroca y la comedia del arte italiana, así como la época de la Colonia en Chile.
En plena guerra, un soldado encuentra refugio en una carpa de circo abandonada. Mientras su radio emite noticias incompletas de la batalla exterior, el soldado descubre un viejo traje de payaso polvoriento y no puede resistirse a intentarlo. Cuando lo hace, se ve atraído por una nueva lucha, obligado a confrontar a sus propios fantasmas con los escasos trucos y bromas del payaso como municiones.
Con un deleite visual, este espectáculo no verbal, se une al clown teatro con realismo mágico, explorando el potencial de la comedia para aliviar el trauma de violencia.
Lucho Guzmán reúne su talento como payaso y artista de circo con su experiencia personal de violencia y guerra en el país, para crear una reflexión conmovedora y divertida, cruda y extremadamente actual sobre el valor del arte y la imaginación como herramientas para la supervivencia.
Dos hombres intercambian saludos mecánicos cada mañana en la escalera de su edificio de apartamentos. Uno vive abajo, el otro arriba. Uno trabaja de noche en un geriátrico, el otro es empleado estatal. Uno es un Hombre Alto, el otro es un Hombre Bajo. Más allá de las diferencias superficiales, uno es un extranjero sin permiso de residencia... el otro lo sabe, y utilizará esa información para "estar seguro de su disponibilidad".
Animales nocturnos, de Juan Mayorga, es una obra donde la necesidad de sentirse menos solo se contrapone a la lucha por sobrevivir. La Mujer Baja da de comer a las palomas, sola, en un parque; ve televisión hasta la madrugada y tiene problemas de insomnio. La Mujer Alta traduce textos mediocres todas las noches y fantasea con escapar en un tren, junto a un Hombre con Sombrero. El Hombre Bajo chantajea al Alto, obligándolo a ser su "amigo" y el Hombre Alto cree que puede controlarlo.
Sueños robados a la infancia es una obra de teatro musical en formato de monólogo que nos muestra la conferencia de Ana Magnolia Reyes sobre las correctas pautas de crianza. En esta conferencia Magnolia divaga y se dirige a sus memorias de infancia en la que recuerda el trato y la convivencia con su madre; dándose cuenta que su crianza estuvo atravesada por una doble moral. En la conferencia vemos como Magnolia se ve constantemente abordada por su subconsciente y por las voces de su mente las cuales se manifiestan, la interrumpen y no la dejan abordar el tema principal de su exposición. A través de su ponencia Magnolia descubre aquello que la lastima para poder ir en busca de su felicidad.
Una historia que llega para romper o pegar corazones. Una pareja en medio de su convivencia se pregunta por las constantes contradicciones del amor. Enfrentar esas contradicciones llevará a Mar y a David a vivir un amor desbordado, un amor incomprendido que, entrada la madrugada, develará en la intimidad de la pareja una decisión sin retorno.
Tríptico del Desasosiego indaga, entre otros problemas, el duelo afectivo y su relación con la estética - una poética del duelo -, superponiendo la vida que se tiene que inventar en estas circunstancias y cómo continuar hacia “adelante”, con un devenir estético irresistible expresado en paisajes, memorias, imágenes, palabras y gestos.
Tríptico del Desasosiego, conformado por las obras Don’t Shoot, 2 confesiones 2 y Respirar, parte de una necesidad profunda de enfrentar, desde la estética, el duelo, la pérdida afectiva y sus corolarios fantásticos, imaginarios y estéticos.
Una ciudad colapsada por un estallido social interminable y las imparables lluvias, tejerán cinco historias aparentemente desconectadas que buscarán reconstruir el hogar, y el espacio seguro que ha descompuesto la violencia de una ciudad implacable. El amor, la muerte, la familia y la constante búsqueda de algo que nos rescate de la crueldad van a llevar a cada una de las historias, a colapsar contra sí mismas, hasta el punto de no reconocerse.
Sinopsis Una noche me encontré con una mujer onírica con quien descubrí el lenguaje propio de la piel, pero ella desapareció a la mañana siguiente dejando su perfume envolviéndolo todo. Hui –obsesionado al no hallarla– en búsqueda de tranquilidad para, sin saberlo, encontrar respuesta en los ojos empozados de un cura de pueblo. Hay mujeres cuya sola esencia nos puede inundar y desbordarnos. A final de cuentas ¿será mejor condenar el alma o perder la vida? Basada en "La Muerta Enamorada" de Theophile Gautier, Onirium tremens es una obra de narración oral escénica pensada principalmente para sala. Su tono, entre literario y coloquial, lleva a un encuentro íntimo entre el público y el narrador sin que se sepa muy bien en qué momento se entra al reino fantasioso de los sueños y el deseo. Propone una mezcla de suspenso, humor y erotismo.
Una compañía de circo es anunciada en un importante festival para presentar su show, pero esta, aunque cuenta con un equipo muy talentoso, es demasiado torpe y no logra ponerse de acuerdo en la preparación del espectáculo. Así pues, se ve forzada a responderle al público, aún sin tener idea de qué va hacer, dando solución de manera clown y espectacular a un sin número de obstáculos generados en la presentación de cada acto.
Circo Sabrosura es un espectáculo interdisciplinar de alto impacto que fusiona diversas técnicas artísticas como el clown, la música y el circo. Mezcla que logra potenciar las diferentes emociones y sensaciones en el público, con una puesta en escena de formato callejero, en un universo fantástico donde todo es posible.
Yo Soy Mi Propia Musa, Teatro en Miniatura, Homenaje a Mujeres Gigantes es una experiencia escénica de calle, que consta de 6 obras de teatro de títeres Lambe Lambe o también conocido como Cajas Misteriosas, inspiradas en pinturas de 6 artistas femeninas representativas del Arte Latinoamericano (Débora Arango, Beatriz Gonzales, Remedios Varo, Frida Kahlo, entre otras).
Cada obra tiene un enfoque desde la mirada femenina, relacionada con alguna de las dinámicas de género: La Mujer y la Guerra; La Mujer Bruja e inventora; La Mujer en la ciencia y la tecnología; La Mujer, la familia y la maternidad; La Mujer y su sexualidad; La Mujer, la violencia y abuso sexual en menores; La Mujer y su relación con lo político y lo social.
La experiencia del Lambe Lambe tiene como característica “el teatro íntimo”, donde los espectadores pueden observar y husmear en 4-5 minutos, a través de un visor o agujero, el universo entero de cada historia.