Futuro es un niño de ocho años al que sorpresivamente le aparece un medio hermano afrodescendiente de cinco años, llamado Silencio. Los dos hermanos deben compartir la habitación, la cama, los recuerdos y su corta vida. El descubrimiento mutuo, las diferencias, el miedo a su padre, la exposición de sus más íntimas fragilidades, en un ambiente familiar violento y humilde, los obligará a guardar sus más oscuros secretos en las profundas heridas de la infancia. La habitación de estos niños se llenará de agua hasta ahogar sus pueriles penas, hasta convertirlos en peces sacrificados de un acuario roto, en víctimas y victimarios.
Silencio huye de casa de su medio hermano Futuro, en busca de su madre, con tan mala suerte que se pierde en el centro de una ciudad, en el centro de un país, en el centro de un mundo oscuro, cruel y doloroso.
Esta propuesta teatral, concebida para tres actores y una puesta en escena de pequeño formato, surreal y creativa, es un viaje a la memoria y al pasado, presente y futuro de un país racista, homofóbico y estigmatizador, desde la mirada inocente y cruel de la niñez.
Los objetos en escena cobran vida a partir de las ocurrencias de María Luna, una niña de diez años, para mostrarnos cómo sería un día cotidiano de aquellos seres fantásticos cargados de melancolía, de cierta vejez, y también de los recuerdos que van quedando a lo largo del tiempo. Don Clock y la rutina diaria de los aparatos olvidados se convierte así en una metáfora poética de cuatro seres ficcionados: don Clock, la señora Plancha Antigua, el señor Tv en Blanco y Negro y el Abuelo Radio a. m., quienes, por medio de sus acciones en un teatro de máscaras y de silencio, dan vida a la historia escrita por María Luna.
El argumento se centra en dos simpáticos ratones que son vecinos. Un río separa sus casas, y aunque viven cerca, los pequeños roedores no son amigos: de hecho, cada encuentro es un motivo para alimentar su mutua repulsión.
Un día, a Boris se le ocurre una gran idea: decide enviarle a su vecina una carta para hacerle saber lo mal que le cae. Flora no tarda en responder, y así comienza una frenética batalla epistolar y de actos vengativos que hará carcajear y sorprenderá gratamente al espectador.
Los personajes, que actúan impulsados por el odio y la sed de venganza, atraviesan el río diariamente para dejar en la puerta vecina las hojas plagadas de jocosos y grotescos insultos. Pero un día Boris no encuentra la respuesta de Flora, y el espectador ya no solo será testigo de la problemática y divertida relación entre los ratones, sino de su transformación.
Creación del mismo grupo teatral que la pone en escena, esta obra da continuidad a su interés de realizar teatro de calle para exponer apartes de la historia colombiana.
Cruce de caminos se sitúa a mediados de siglo pasado, en el inicio de la violencia que el bipartidismo desató en toda Colombia. La obra se centra en dos de los bandoleros más emblemáticos de ese momento: Efraín González, conservador, y Teófilo Rojas “el Chispas”, liberal. La fábula narra diversos episodios de su vida, cruzados por amores y traiciones con diversas mujeres. Y todo pasa en los diez segundos finales antes de morir, mientras ven el recorrido de la bala que los ha de matar.
Diseñada para un espacio público circular, con elementos propios de la calle, usan música en vivo —tanto canciones como coros—, escenografías móviles y un elenco de actores profesionales entrenados para el espacio teatral callejero.
Cada noche, Mariana espera con ilusión el momento en que su abuela Francisca le cuente un cuento antes de dormir. Pero esta noche será diferente: ahora es Mariana quien tiene algo que contar. Con su imaginación chispeante y un corazón lleno de amor, Mariana relata la historia de su abuela —una mujer generosa, incansable y querida por todo el vecindario—, quien logra engañar a la muerte. Y no a cualquier muerte: una señora coqueta, un poco despistada y con más vanidad que astucia.
Inspirada en el cuento Francisca y la Muerte, del escritor cubano Onelio Jorge Cardoso, esta obra celebra los valores sencillos pero esenciales de la vida campesina: la solidaridad, el amor por los demás y la amistad sincera. Con títeres, humor y una dosis de ternura, ¿Hasta cuándo, Francisca? nos recuerda que la muerte puede esperar… cuando la vida se vive con alegría.
Esta obra de teatro callejero, o para espacios no convencionales, nació del universo simbólico y la cosmogonía de la comunidad nukak makú, considerados los últimos nómadas de Colombia. Se trata de un homenaje escénico a su legado, por lo cual, a través de la historia de Mauro, se visibilizan elementos esenciales de su cultura, como sus orígenes, creencias y modo de vida.
Mauro crece como cualquier otro miembro de su comunidad, aprendiendo a sembrar, cosechar y cazar, habilidades fundamentales para la preservación de este pueblo. Pero desde niño, su abuelo —guardián del conocimiento ancestral— le revela que lleva en la sangre un linaje especial, y que es su responsabilidad proteger y guiar a los suyos en tiempos de peligro o incertidumbre. Cuando llega el momento, el abuelo trasciende, y su espíritu se fragmenta en tres para viajar a distintos mundos: Gea, Yee y Bak. Este suceso marca el inicio del camino de Mauro como nuevo líder espiritual y protector de su pueblo. Desde ese momento deberá mantener el equilibrio, guiar con sabiduría y enfrentar las amenazas externas que ponen en riesgo la existencia de su gente.
María Té es una obra que lleva a la escena una historia inspirada en hechos de la vida real sucedidos en el seno familiar de la narradora. La historia se propone cuestionar los distintos preceptos y exigencias que en aquella época se imponían a las mujeres, muchos de los cuales siguen vigentes, aunque están siendo combatidos por las voces de nuestro tiempo. Para lograrlo, la historia muestra cómo la presión social y religiosa moldean y castigan el comportamiento femenino, al tiempo que hace reflexionar sobre cómo el poder de decidir por sí mismas puede mejorar la calidad de vida individual y crear una fuerza colectiva capaz de hacer avanzar a otras mujeres.
Se trata de un relato con enfoque de género que expone el cambio reflejado en el futuro de las mujeres de toda una familia, por la decisión y determinación de una campesina que creía fielmente en sí misma y que dejó a un lado las imposiciones sociales y familiares para vivir por y para ella, engendrando así un legado de libertad.
Se trata de una historia de la avenida Circunvalar con calle 26, una memoria paraficcional del barrio La Macarena, en Bogotá.
Esta historia tiene dos personajes: una avenida y un semáforo miope. A partir de una narración desbocada y caótica, el cuentero va tejiendo una serie de sucesos alrededor del aparato que regula el tránsito, que sufre un daño técnico y fenomenológico. Un mito urbano (no, no se trata del Bobo del Tranvía ni de la Loca Margarita) le da un carácter carnavalesco y esquizofrénico a la estructura narrativa. Al final, el espectador se enfrenta a dos historias: la del cuentero que aún usa la vestimenta que llevó en su primera comunión, y la del abandono social representado en la ciudad y sus cauces simbólicos.
Este trabajo hace un recorrido por la vida familiar valiéndose de un cuento estructurado a partir de la descripción de una abuela maravillosa y temible, y una serie de cuentos tradicionales y de autor adecuados para un público infantil y familiar.
Este relato se aleja del humor tradicional para acercarse a otro más bien intelectual, inverosímil e ilógico. Se cuenta la historia de lady Silvia Brums, que dedica sus días a viajar y a tener una amplia colección de amantes, con el consentimiento de su marido. El protagonista es el distinguido e ingenuo señor Pérez Seltz, alias Zambombo, que apenas la vio por primera vez, cayó rendido y se mostró dispuesto a cualquier cosa con tal de mantenerla a su lado. Pero la tarea no es fácil, pues Silvia se aburre con facilidad, y si hay algo que no soporta, es el aburrimiento y la monotonía.
Por ser una obra de narración oral, basa su estructura en el relato de una historia; sin embargo, utiliza técnicas de actuación que normalmente no se emplean en este arte, con el objetivo de experimentar con una forma diferente de narración que intercala escenas con diálogos más extensos de lo común entre los personajes y recurre a la identificación de estos mediante arquetipos de la actuación, cambios de la voz y gestualidades.
Esta propuesta es una adaptación de algunas de las fábulas más emblemáticas del libro Calila y Dimna, una obra clásica de la literatura medieval originaria de la India y traducida a múltiples idiomas a lo largo de los siglos. Calila y Dimna es una colección de relatos didácticos que se vale de animales como protagonistas para transmitir enseñanzas sobre la sabiduría, la justicia y la gobernanza.
En esta adaptación se narran las historias de la introducción: un rey envía a un hombre en busca de un libro lleno de sabiduría, que no es otro que el mismo Calila y Dimna; el Buey y el León traban una relación que pone de manifiesto los avatares de la amistad y la traición; la historia del Mono y el Carpintero enseña sobre los peligros de la curiosidad; la del Zorro y el tambor aborda los problemas de la percepción y la realidad; la de la Garza y el Cangrejo muestra aspectos de la astucia y la justicia, y la del Cuervo y la Serpiente expone las estrategias de la venganza y la inteligencia. Cada fábula ha sido cuidadosamente adaptada para mantener su esencia y conservar las enseñanzas originales, con el propósito de ofrecer al público una experiencia enriquecedora, reflexiva y actual.
Amigos en el tiempo es una adaptación del cuento Antiguas cacerías, de la escritora argentina Liliana Bodoc, que relata el crecimiento de la amistad entre Cées Vondel y Kamba Maï, dos niños que sin saberlo están cambiando la manera en que se ven sus culturas.
La obra enmarca perspectivas de libertad y un encuentro intercultural en dos momentos históricos: uno, en el pasado del Príncipe Bantú y el Capitán Neerlandés, que desafían a la muerte con tal de ser libres, y otro, en un presente en el que Kamba Maï y Cées Vondel saben que en el juego encontrarán la libertad.
La obra enmarca momentos de tensión en que soltar la mano del otro significa perder el cargamento más importante o un amigo, según el momento del tiempo en que esa acción esté situada.
En su novedosa propuesta de narración oral contemporánea con fines recreativos, artísticos, culturales y pedagógicos, el actor-narrador Carlos Pachón Rodríguez da vida al personaje Gilimón Solonilla con el propósito de recrear en tono jocoso historias, anécdotas y vivencias recuperadas de la cotidianidad de la gran urbe.
“Mi hermano el do’tor”, “El bailarín” y “El loco Jeremías” son algunos de los relatos que conforman este espectáculo, cuyo hilo conductor es la vida de un ingenuo campesino que emigra a la ciudad. Los hechos descritos en primera persona incentivan reflexiones sobre el arraigado machismo, el desplazamiento, la corrupción, la desnaturalización de los valores, el resquebrajamiento de la unidad familiar, la pérdida de identidad, la drogadicción, la violencia barrial y casos como el de los falsos positivos. En suma, múltiples formas de violencia que fomentan liderazgos nocivos entre las nuevas generaciones.
Se trata de una propuesta minimalista que amalgama de manera directa y eficiente la narración oral con la comunicación social y el arte escénico. El resultado es un espectáculo de aproximadamente una hora, dirigido a jóvenes y adultos, en el que la imaginación del espectador-oyente es la invitada de honor.
Té con cucas es una invitación a percibir y presenciar lo nunca antes visto, lo inimaginable, lo extraordinario: un viaje a la quinta dimensión, la dimensión surrealista, la dimensión de la imaginación.
En la quinta dimensión, por medio del teatro dentro del teatro, se representa una fábula que narra las peripecias de un cuarteto amoroso cuyos protagonistas son objetos: Farol, Semáforo y Sombrero pretenden a la Lámpara, compinche y acérrima enemiga de la Plancha, sobrina de la Aplanadora.
En esta puesta en escena, Teatrova se propone acercar la ciencia y el arte mediante un eje transversal: la imaginación. En la ciencia y la física vislumbramos diversos tiempos en las dimensiones, lo que nos permite ubicarnos en los diversos espacios que habitamos e imaginamos. Por ello, planteamos un teatro épico que se propone integrar todas las herramientas técnicas, logísticas, dramatúrgicas, luminotécnicas, audiovisuales, musicales y de ingeniería teatral para transportarnos a la quinta dimensión mediante una activación maravillosa de nuestra glándula pineal…
Desde tiempos antiguos, el circo ha estado presente en la vida cotidiana. En él, la ley es el juego de la fuerza masculina, donde el más grande devela sus capacidades cargando la vida a cuestas, mientras el más liviano vuela por los aires y el más ágil reta las leyes de la gravedad. Aquí, la gracia roba sonrisas, y todos nos jugamos la vida ¡para que usted viva el circo!
Artistas:Liliana Chicuazuque - Calcetín | Mateo Lasso Devia - Orbit Performance | Cristhian Galindo – ECCAF (Acrobacia doble altura) | Santiago Pineda - ECCAF (Salto en lazo) | Geison Estupiñan - ECAFF (Equilibrio en pelota) | Zap Payaso – Caliche - Colectivo Pazos de Payasos | Bombi el Payaso – Lucho Guzmán - Colectivo Pazos de Payasos | Nicolás Andrés Ruiz Fierro - Acróbata (Rueda Cyr) | Jonathan Aguilar Villamil - – Jumping Higt (Rola Bola)
Una línea de cuerdas que cuelga de una estructura nos recordará cómo nuestras vidas están entrelazadas en una red invisible y cómo cada encuentro puede tener un impacto duradero. A medida que los personajes se cruzan y sus vidas se entrelazan, descubriremos cómo un simple gesto de bondad o una palabra de aliento pueden marcar la diferencia. Este show te recordará la importancia de cultivar y valorar nuestras relaciones, demostrando que todos estamos conectados de una u otra manera.
Conexiones es un espectáculo que habla de la importancia de trabajar en equipo y fortalecer nuestras conexiones humanas, sin importar nuestras capacidades, nuestras condiciones, raza o género.
Mediante actos impactantes de danza, circo y voz, este show nos recuerda cómo las relaciones y la colaboración pueden transformar nuestra vida, al tiempo que celebra la belleza de estar interconectados. Un espectáculo en el que el encuentro con el otro te sostiene, te equilibra, te reta, te inspira.
Una mujer de mediana edad camina a altas horas de la noche desde el edificio de oficinas donde trabaja hasta el paradero donde todas las noches espera el bus. La narración usa ese recorrido para profundizar en su vida, hurgar en su memoria y conocer sus traumas, frustraciones y complejos.
A menos de dos cuadras la espera un grupo de personajes de dudosa procedencia que cambiará para siempre el sentido de su existencia.
Creación colectiva que con el lenguaje corporal y la imagen narra gestos de resistencia de mujeres que luchan para sanar y resignificar una historia marcada por la violencia política de nuestro continente. Los cuerpos femeninos portan las huellas y las cargas de sus historias de vida; por varias razones muchas se callan, dejando su cuerpo preso, un cuerpo que se convierte en su propia jaula. Esos cuerpos no podrán ser libres hasta que sean reinventados, para lo cual hay que romper el silencio que se les impone.
Así, en esta pieza dividida en tres momentos recorremos los caminos de mujeres que luchan contra el olvido y el silencio, y sanan haciendo memoria, recuperando algunos recuerdos, pero también enterrando otros. Pasaremos por Argentina, en homenaje a las Madres de la Plaza de Mayo; enseguida, por el desierto de Ciudad Juárez (México), donde el silencio es testimonio del horror del feminicidio continuo y de la impunidad, y finalmente, por Colombia, donde abordemos el trabajo centrándonos en el cuerpo de las mujeres como territorio transgredido en medio del conflicto armado, y resaltando sus capacidades creadoras para superar esas experiencias traumáticas.
Este trabajo se inspira en testimonios y poesías de mujeres de la Plaza de Mayo, de militantes de Ciudad Juárez, de mujeres víctimas de Colombia y de experiencias propias que como mujeres han vivido las integrantes de la agrupación.
Edipo rey es un tesoro de la humanidad. Hace más de dos mil años fue escrita y representada, por primera vez, en escenarios al aire libre durante las celebraciones más importantes de la ciudad de Atenas: las Dionisíacas. Sófocles, su autor y primer director, es uno de los tres grandes autores trágicos de la Grecia antigua, junto con Esquilo y Eurípides.
Sófocles recogió la leyenda popular del hombre que mata a su padre y se casa con su madre, y la convirtió en la gran tragedia que aún en pleno siglo xxi nos interroga: ¿el destino lo trazan los hombres o los dioses?
Misael Torres y su grupo toman la tragedia y la devuelven al ámbito de la leyenda popular, inspirados en el original de Sófocles y otros referentes, como el film de Pier Paolo Passolini Edipo rey, la ópera del mismo nombre que dirigió Julie Taymor en Tokio en 1992, y en una exploración sonora con la música de Igor Stravinsky y cantos del folclor griego.
Ensamblaje Teatro, agrupación que cuenta con una experiencia creativa de larga data investigando en profundidad las relaciones entre el teatro festivo y el espacio público al aire libre, presenta esta nueva lectura de la gran obra escrita por el inmortal poeta griego.
La obra es un viaje al interior, muy adentro del sistema, un lugar en donde caen o se elevan casas, edificios, ruedas de la fortuna, piscinas, canchas, balones, e incluso el mar. Se trata de una visita ilegal a un laberinto sin salida en donde se estrellan contra el piso autos a 30, 60 o 120 kilómetros. Es una visita indebida en la que se puede resultar juzgado por asuntos que ocurrieron en la adolescencia o en la niñez. Es adentrarse a un sitio que no se encuentra en ningún mapa, pero en donde existe información inimaginable y datos recientes y ancestrales. Un sitio al que usted mismx no iría solx.
Antonia, una mujer bogotana, llega a Londres buscando escapar de una profunda pena, con la esperanza de hallar una vida mejor. En el exilio, la soledad la envuelve, al tiempo que un ambiente tóxico la consume, lo que impide que su corazón sane. Poco a poco, pierde la claridad: su mente se fragmenta, y los fantasmas del pasado emergen con fuerza. Los confronta y lucha por ahuyentarlos, pero solo encuentra paz al mirarlos con otra luz.
Se trata de un viaje íntimo de duelo, resistencia y renacimiento contado con el cuerpo y el alma.
Esta obra de Sebastián llera es un monólogo dramático realista que cuenta un fragmento crítico de la vida de un hikikomori (una persona que decide aislarse de la sociedad y recluirse en una habitación), quien ha perdido todo tipo de contacto con el mundo exterior, y por tanto, también los vínculos emocionales que lo motivan a continuar viviendo.
David, el protagonista, se sumerge en un viaje por las experiencias de vida que lo llevaron a recluirse. Finalmente debe decidir si buscar un nuevo vínculo o dejarse morir.
Esta icónica obra de Shakespeare, adaptada inicialmente a la poesía popular chilena, y ahora transportada al altiplano cundiboyacense y festivo de Colombia, es una fiesta y una celebración al amor, la rima, la imaginación, la poesía, la música, la tradición y, sobre todo, al maravilloso mundo mágico que albergan los sueños. Es una obra de teatro en verso con música en vivo, llena de color y diversión, que, entre carrangas, pasillos, joropos y guabinas, y entre duendes y hadas, invita al espectador a hacer parte de la fantástica historia que relata. Después de todo, “¿¡Por qué no soñamos, si soñar no cuesta nada!?”.
En este proyecto nos planteamos la necesidad de crear un trabajo teatral que hable de las leyendas y mitos que circulan por la ciudad, especialmente en el antiguo centro histórico de Bogotá: La Candelaria. Los relatos que hemos escogido ponen de manifiesto los valores religiosos, sociales, clasistas y coloniales en los que fueron creados.
Con esta obra queremos hablar de la manera en que se culpa a la mujer de ser la causa de los males. A pesar de ser la victima principal, la belleza o el comportamiento independiente y desobediente de la mujer causa la tragedia en la leyenda, una manera de exculpar al hombre, quien aparece como “víctima del deseo”, del pecado y del demonio personificado en la mujer.
La obra es un monólogo que nos sumerge en la mirada inocente y conmovedora de una niña de cinco años que enfrenta la realidad de un mundo en conflicto, un personaje que decide ver la vida y la muerte cómo un juego. Su historia nos invita a reflexionar sobre la situación vivida en Palestina y a cuestionar los sistemas que rigen nuestra sociedad.
Con sensibilidad y profundidad, El mundo debería callarse nos expone la importancia de la empatía y la necesidad de un cambio.
Escrita por Sebastián Uribe Tobón y llevada a escena por Fernanda Rodríguez Sánchez, esta propuesta teatral es un llamado a la consciencia y la humanidad.
Gota de Mercurio presenta su más reciente creación: ¡Ay, don Quijote!
Descubre cómo este clásico atemporal cobra vida en nuestras calles, fusionando la esencia de la literatura clásica con la energía poderosa de la cultura festiva y el teatro callejero. Con una estética medieval que contrasta con el paisaje urbano moderno, te transportaremos al corazón de la historia mientras exploramos las profundidades del pensamiento creativo universal. Acompaña a don Quijote y a Sancho en su travesía por la alucinación, el coraje y la injusticia. ¡No te pierdas esta experiencia única que desafía los límites de la cordura y la imaginación!